江南体育在服装设计中，大家可以借鉴一些优秀的设计作品，融合个人的独特设计思维与想法，从而使得设计作品具有自己的个人风格。但是很多人不可避免的游走于“抄袭”边缘，使最终的设计作品既无法明确的传达自己的设计概念，同时侵害了他人的权益。对于题主提到的如何在服装设计中体现系列感，有以下几点要素需要掌握：

　　这四点要素在服装设计系列感的体现中都具有极为重要的作用。虽然题主提到了图案，但是图案中最直观的视觉元素是色彩，在色彩上做出系列感是控制系列感的第一要素。因此，康石石着重分析一下在服装设计中如何运用色彩体现系列感：

　　该系列用了明确的两个色系，且加了一个黄色的中间色做了平衡。整个系列颜色较多但看起来很统一，其原因有两点：第一，其实该系列使用的颜色并不多，设计师将颜色互相穿插使用，造成了观者视觉的复杂性，无法确定整个系列中比重多的和比重少的分别是什么颜色。第二，该系列中，每一个Look颜色的明度和饱和度基本相同，且明度和纯度都比较高。综上两点，该系列服装作品看起来较为和谐统一。

　　与上图案例类似，下图的系列同样使用了两个色系加一个中间色的搭配，且在明度上明显降低，该系列Look数量少于图一且分布方式也不一样，所以会带来不一样的感觉，但同样是具有系列感的一个服装系列。

　　该系列用了两个相邻色系。相比第一个案列，颜色要集中很多，并且明度和纯度都很接近，所以它表现出来的系列感会更强更统一。通常江南体育，一个系列设计都能直接用一句话去形容或者描述出来，它的系列感会更强更集中，且有一个特点江南体育，就是系列中任意两个Look放在一起都可看出是同一个系列作品江南体育。

　　与上图案例相似，下面这个服装系列选用了明度接近且相邻的两个色系，中间穿插了一个重色黑色。 Look数量相较上图少了一半，且不像上图系列分布得比较均匀。但需要注意的是该系列用色的节奏，从Look1到Look6的颜色顺序是黄红橙红橙黄。所以在这种一个Look只用一种颜色铺的情况下，以Look为单位去调整颜色节奏是体现系列感的方法。这种用色情况相较其他刚分析过的系列来说，较为安全、统一，但是缺乏惊艳感。

　　该系列也用了两个色系，但不同于之前的案例的是，它使用了较多的中间色，所以在系列感的呈现上不像第一个例子那么鲜明，也不像第二个例子那么集中。因为重色跟中间色差距比较大并且在系列Look中分布不“均匀”，所以从颜色上来看，大家可能会觉得这个系列的系列感会稍弱于前两个。比如：把该系列的Look4跟Look6放在一起，不看模特不看款式，大家可能无法确定的说它们来自同一系列。

　　该系列两个色系为互补色。搭配醒目且平衡，明度跟纯度基本在一个层次，使用的颜色在Look上不会过于均匀，比如Look1基本为橙色，过渡到Look8基本为蓝色，中间穿插搭配，这就构成了一个统一和谐且层次丰富的服装系列。

　　这个系列区别于前面的例子，使用颜色较多。在颜色的系列感上来看，虽然没有之前的突出，但是因为绿蓝紫三色只是作为点缀颜色来运用，所以并没有对系列感造成太大影响。该系列和案例三类似，单个颜色在系列中的分布都是不均匀的，所以忽略模特跟款式风格江南体育，任意拿出两个不相同的颜色Look，系列感都不够突出，不过在明度上，设计师还是做了平衡。

　　该系列以黑白为主导，穿橙黄蓝。简单归纳一下，该系列的颜色使用依次是黑白橙—白橙—白黑橙—黑白黄—白黑蓝—黑橙—白黑橙—黑白蓝—橙白蓝—白黑黄橙。大家在该系列中可以感受到色彩的使用节奏，且可以看出，系列中每一个Look是要有主导颜色的。

　　由此可知，在服装设计系列中，所使用颜色大多不会超过两个色系（黑白不算入内），且明度跟纯度基本是一致的，同时，颜色在系列中的分布是有节奏的，节奏安排的复杂性决定了服装系列的丰富性。以上为色彩在服装设计系列感中的运用，题主可以此作为参考，检验自己的服装设计系列在色彩运用上是否构成系列感，并作出相应调整。

　　借鉴不等于抄袭，相信所有人都知道这句话，我们在做设计、找灵感时，确实会多多少少找一些与自己概念有关的作品寻寻灵感。

　　但是从头到尾都在“致敬”，没有自己的思考的话，那基本上会被其他人一眼就看出你的小伎俩。

　　根据题主的问题，我在意大利罗马美术学院学习的时候，老师有单独讲过这一part，今天分享给你。

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　　“系列感”，顾名思义，就是每套成衣之间能够看得出有联系，比如元素、面料、设计上的联系等。

　　因此，一个系列的服装设计中，成衣的展现能够明确地告诉观者它们是属于一个collection。

　　在服装设计作品集中，一个项目为一个系列。一般来说，一本服装设计作品集需要包含3-4个项目，也就是3-4个系列的成衣设计。

　　对于刚开始着手服装设计作品集，或者自己DIY的小白来说，在进行成衣设计时，很容易忽视设计的“系列感”。

　　这往往是因为前期调研太少，在元素转化时候遇到瓶颈而无从下手，最终在成衣设计时只能从网上“扒款”，导致在设计中看不出成衣之间的关联性。

　　在进行项目最初的调研部分时江南体育，我们就该最大限度地创造设计元素，在之后的成衣设计中有元素可用，不至于走向“设计瓶颈”。

　　所以在这一步骤中，我们要尽量地多拟出idea，并且用纸笔记录下来。之后将idea“视觉化”，生成“图像”，最终应用于服装设计中。

　　服装设计师FLORENTINA LEITNER把灵感转换成手绘（图像），又应用到了挂件的外形上，作为服装元素。

　　在CSM女装设计毕业生Michael Halpern的作品集调研部分，对于“亮晶晶”面料的探索，也体现在她的成衣设计当中。每一件成衣的面料都带有“亮片”的元素，体现了“系列感”。

　　由于在前期的调研部分中，由idea“视觉化”而来的服装元素较多，建议将这些众多元素做一个系统、合理的分配，给到这40-60张设计草图上。

　　一套服装上可重复出现1-2个服装元素，比如只出现针织元素和廓形元素。不要所有的元素都放一套服装中，这样设计效果会很杂乱。

　　草图一般不要求上色，所以用线条来展现细节很重要，线条必须简洁明了，表现服装的版型和建构。通过线条来展现草图的“系列感”。

　　如果一个系列中，成衣设计草图有60张，最好从中选择8套草图来画效果图；40张草图则选出6套。具体效果图的选择视草图数量来定。

　　以下面8套效果图为例子，把8套服装分为4组，两套服装为一组，最终排列为：A1 A2 B1 B2 C1 C2 D1 D2。

　　ABCD四组服装有一定的联系，即出现一个相同元素，但颜色面料等元素不需要完全相同，四组服装有明显区别；而每一组中的两套（如A组中的A1和A2),则是同样的面料、服装元素、版型，或同样的色系，两套服装好似孪生子，有非常强烈的联系。

　　Lookbook拍摄在于排列有序，体现服装细节。服装元素相近的成衣排在一起，以“组”为单位来排列，切记不可以将成衣打乱排散，这样能给考官更直观的“系列感”感受。

　　“硬照”拍摄在于营造氛围，从而展现服装的艺术性和时尚性。因此，“系列感”在于氛围，需要通过照片来传达一个故事，每一张照片都是属于同一个故事。

　　所以在构思如何拍摄服装之前，不止是要考虑如何将服装拍好，也要考虑置景和灯光，对拍摄做一个故事的构思，这样才能展现“系列感”。

　　在完成作品集后，书写作品description或者文书时，我们需要强调这个作品的各个设计元素之间的联系，将你作品集的“系列感”，再次强行安利给考官。

　　DONE！概念上的一气呵成，终究是没错的，做设计也需要有逻辑，理性去思考自己的步骤，找到方法论，系列感这东西也不难。

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　　打造系列感（以时尚类产品为例），要从以下几个方面考虑：款式、色彩、图案，以及运用的设计元素。

　　服装设计的系列感是通过视觉上表现体现出来的。比如今年三月初发布的Elie Saab的READY-TO-WEAR大量使用勃艮第红的薄呢料，比如我最爱的设计师之一Haider Ackermann代表性的SPRING 2011 READY-TO-WEAR那场秀一个系列的服装廓型都是硬挺的建筑感线条。看你的系列感侧重点在哪儿就在系列中贯穿运用，是面料，用色，或者是服装廓型，某种特殊的服装解构，简单说是某一种元素的在该系列服装中的反复演绎。

　　系列感的服装设计在学院派的设计里被演绎的最淋漓尽致，因为一部分因为服装设计的学生对设计开始的理解会相对片解，往往一再在设计中强调和放大“自己创作的点”，还有一个原因是学生做得系列往往在十套服装之内数量少运用的元素就很容易给人很强的系列感。但品牌需要考虑到市场，满足不同顾客的选择，会在一季里面有好几个系列侧重点。导致你看现在品牌的秀场发布，这几件衣服给你感觉是一个系列的，那几件感觉又是组成了另外一个系列。其实系列感的分量拿捏在服装设计中也并不是那么严格，好像有点扯远了，嘿嘿。

　　那这些组成系列感的重要元素的来源就是根据设计师灵感来源发酵出来的。所以在设计的过程中根据你的灵感来源进行你的design research过程是最最重要的，这一步做好了，你要运用的元素可以很轻松的得到，并且轻松的置放到你的系列中去。你要做的只是调整你运用元素的使用比率高低这么简单。

　　In conclusion: 如果你的观念中有“抄袭”这个概念的存在，那么你就不能算是一名设计师。

　　服装设计如果按照“正常”流程进行设计，是可以顺理成章自然而然的形成系列感，（即确定设计主题→根据主题进行调研→提取于主题相符的颜色、材料、面料→廓形试验→草图→确定最终色卡（主色&辅色）→效果图→工艺图→打样……）

　　在主题的内在逻辑的连接下，每一个环节在视觉、材料、廓形上都是有关联，自然而然形成了系列感，就像一棵桃子树长出的桃子，每一个桃子都不是一模一样的，但是都有相同的特征。

　　举个栗子，CHRISTOPHER KANE 2014 FALL READY TO WEAR，同样的面料以相同的手法改造制作，再以不同的大小和组合方式在不同的款式上出现……

　　再比如，C2H4 Menswear AW 2019，设计师以美国“超人类主义”学者 F.M. Esfandiary的FM-2030理论为设计灵感和系列名称，这个理论的主要内容是：科技的进步将使得人类在 2030 年完成物种意义上的 ”永生”

　　在C2H4的构想中，人们创造了一个存在于2030年的假想宇宙，人类生理已达到“永生”技术，而政府却强制每人在出生时植入时间刻度 (Lifetime) 就是一个倒数计时器。当倒计时结束，人类将被清空记忆，从而防止人们满足现状进而停滞文明的发展。

　　而C2H4® 在这个系列中被假定为人类数据存储有限公司 (C2H4® Human Data Storage Corporation) ，这个公司则是这个假定时代中的专门负责人类记忆储存的科学机构。

　　为了完成这个假象设定，设计师特意将背景设定在人类数据存储公司的休息室以及办公室场景，模特们在这个场景中，演绎着未来人们的工作状态。

　　系列感又是如何体现的呢：设计师使用大量的工作服细节，比如Polo衫领子、领带、衬衣领、运动服的松紧带来呈现工作服的感觉，上述服装细节也以不同的排列组合出现；色调上用了多种不同程度的灰调色系，加上充满未来感的3M反光元素，体现这种复古的未来主义。

　　当然，一般情况下只有资金雄厚的大品牌才有时间金钱来用“正常”逻辑创作一个全新的系列，国内品牌大多为了控制设计成本，选择走捷径抄款，这种做法可以让利益最大化，也可以搭着大牌潮流款的顺风车，不需要太多推广广告成本，就可以让产品销售出去。

　　每周统计门店销售数据，通过销售数据拉出表格，就可以看出什么款好卖什么款不好卖，数据给到设计部门，设计师们再一个萝卜一个坑的设计单品，快速匹配消费者需求。

　　如果是为品牌设计，设计师服务的品牌是什么风格？受众群体？目标消费者定位？这些都可以成为设计前的调研，用来确定大致的主题和面料材料选择，就不会像无头苍蝇一样的乱撞。